70年代出生的年轻日本建筑师问答录
原文链接：http://10plus1.jp/200903/issue2.php
原文标题：《特集：1970年代生まれの若手建築家 30代建築家アンケート》
翻译：@日本建筑译介
译者注：这是2009年3月的专题文章。当时30多岁的建筑师如今也步入40+了，但很多观点与提到的作品仍然具有了解价值，不少受访的建筑师也获得了更多的认可。因此这里选译部分内容，供阅读参考。（顺序根据国内建筑圈关注度有所调整）
原文涉及访谈对象
本文已译：藤本壮介，石上纯也，乾久美子，中村拓志，伊藤博之，菊地宏
未译：西牟田奈奈，长谷川豪，吉村靖孝，LEVEL Architects
两个问题
Q1：见到同辈建筑师的作品时，会察觉到彼此的方法论或对建筑的感知有什么共通之处吗？若有，可以说说是怎样的作品、方法或感知吗？
Q2：和上个问题有些关联，不过是对于前辈建筑师。能举出一些给你带来影响或你比较关注的建筑师吗？而这种影响或关注，具体是反映在怎样的作品、细节或思考方式中的呢
藤本壮介
藤本壮介（Fujimoto Sosuke），1971年生于北海道。1994年毕业于东京大学工学部建筑学，2000年创办藤本壮介建筑设计事务所。
作品有“House N”（2008）、“情绪障碍儿短期治疗设施”（2006）、“T House”（2005）。
A1
毕竟没法悉数了解各个项目，所以要说共通之处，实在是从未察觉到。
我自己在同辈人中，应该是比较老派的——且不论这个“老”意味着好还是坏。我对建筑有种自己的执着。我常常在思考，建筑可以如何开始、所谓的建筑又能够扩张到什么地步……诸如此类的建筑的可能性。
另外，对于空间所依附的框架，新时代、新价值观的框架，我也一直想要去探索。也可以说，我关注的，是人造的建筑与其他自然造物之间新的关系形式，以及人为和无为之间的新界限。
抱着对这些事物追根究底的态度，我每天尝试着各种各样的想法。虽然这些试验有时会诞生看似夸张的建筑，但因为它们既有符合设计预期的一部分，也存在稍稍超出自己理解范围的地方，所以反而有助于扩展我的价值观体系。
A2
某种意义上，所有的历史建筑和非历史建筑、各种各样的城市形态、所有的人工造物、所有的人类建构的概念、所有存在于与人类无关的地方的自然造物，都对自己产生过影响。要说是什么影响，大概就是从它们的世界中获得了启发，并以此为契机延伸了自己的建筑理念。
不过由于我自己对建筑的执着，所以这个时候往往会寻根问底：“建筑”这个概念到底是什么？虽然我还不能很好地阐释它，但总觉得那种不同于艺术、客体、概念或生活的建筑，一定是存在的。
石上纯也
石上純也（Ishigami Junya），1974年生于神奈川县，毕业于武藏野工业大学工学部建筑学，在东京艺术大学完成了相关硕士课程。目前是石上纯也建筑设计事务所主持建筑师。
作品有“table”（2005）、“雷克萨斯展览场地配置”（2005）、“神奈川工科大学KAIT工坊”（2008）等。
A1
我在杂志之类的地方见过许许多多与我同辈的建筑师的作品，在产生同感的时候，内心也常常会察觉到在某些地方是不一样的。这不是针对某个作品，只是确实总会这么觉得。大概是因为自己对于生活在同一时代的大家形成的“群像”抱有兴趣，想知道这群人想要实现什么，又想如何去实现。
A2
我独立之前在SANAA工作，自然受到了妹岛和西泽的许多影响。不过，给我带来影响的人有很多，恐怕都有自己并未意识到的、甚至弄错了的情况存在。与其说受到了某个特定的人的影响，不如说我自身所见所闻的一切产生了等价的影响。
乾久美子
乾久美子（Inui Kumiko），1969年生于大阪府。毕业于东京艺术大学美术学部建筑科，在耶鲁大学建筑学院完成硕士课程。现为乾美久子建筑设计事务所主持建筑师，东京大学非常驻讲师。
作品有“Louis Vuitton高知店”（2003）、“Jurgenlehl丸之内”（2003）、“Apartment I”（2007）。
A1
平田晃久“Kodama Gallery”
这个翻新设计强化了原本梁、柱之间的凹凸感，我对这种方法论很有共鸣。他所做的翻新，并不是在“新/旧”对比（这里只是最简单的例子）中融合，而是索性把新的旧的统统做成凹凸的形态。
这样不仅更适用于原有的环境，而且让空间更加富有变化。他这种自始至终都在尽可能发散思维的态度，与我是共通的。
石上纯也“神奈川工科大学KAIT工坊”
虽然石上的意图并不是仅仅为了“粉碎结构”，不过还是能感受到“KAIT工坊”结构设计方法与自己的共通点。
尽管这种将结构打散而非集中的方法，是把不透明柱变成网状柱的仙台媒体中心的创新，但这个项目中结构的粉碎化显得十分有趣。不过，鉴于KAIT工坊已经将结构粉碎到了这个程度，不知道此后还会有怎样的突破。
长谷川豪“五反田住宅”，藤村龙至“Building K”
“将杂居形态做进一幢建筑中试试看？”大概就是在对这种虚构场景的设想中，才诞生了这样的作品。
虽然是“新造建筑”，但实际上设计者希望让它呈现出一种翻新的感觉。而且正是因为这种（相当扭曲的）方法论，在设计中才必须更加灵活地应对。对此我是有同感的。我早期设计的“Louis Vuitton高知店”（规模远大于实际方案）也是基于这一方法论，可惜未能实现。
藤本壮介“Tokyo Apartment”等
有同感的是他那种“胡乱堆叠”的可能性。在我看来，他的作品并没有被（近代的）建筑合理性束缚，几乎就是粗暴大胆的胡乱堆叠。不过这样一来，就会让人有意识地去思考：建筑到底应该是什么样子？不按常理出牌、把每一层都做得不一样又如何？
我在拙作“Apartment I”和“浅草竞赛方案”中，也尝试了这样做的可能性；只是结果会因人而异，“胡乱堆叠”的趣味感也会有所不同。
中村竜治“Pinup”
这个作品仿佛在追求“无意识的趣味”。设计者将大量便签模样的东西贴在墙上，其中放置作为展品的眼镜。在这里，把便签固定在墙上实属无意识的行为，却意外地富有美感。
虽然这个作品传达的信息并不多，但借此可以感觉到设计者试图将设计行为控制到最少。我虽然没有做出这么美好的作品，但也曾经考虑过利用图钉的单向性来装饰墙壁（Gold Titan竞赛方案）。
A2
要说“前辈”的话实在能够列举出太多，我就回答一些“最近的前辈”吧。
西泽大良
从西泽的作品中，我能够完全理解到为什么要去寻找“包容多样性的方法”。而我之所以会意识到去联结“表层”和“存在”这二者，恐怕也是从他那儿学来的。西泽还让我察觉到，将建筑明确视为一种除了“存在”之外什么都不是的事物的设计态度，（在现代）也是有可能存在的，因此这种价值观下的设计结果也值得认真对待。
犬吠工作室（塚本由晴＋贝岛桃代）
他们在不同程度上影响了我对多元共存的重视度，以及联结城市和建筑的方法。我也由此明白了建筑话语的重要性。很难说清我到底受到了他们的多少影响。
西泽立卫
我想西泽立卫教会我的，是建筑的开阔性、独创性和包容多元事物的重要性。而我也从西泽身上学到了“若没有特点、就不可谓表现”的设计态度，以及作为创作者的严谨。话虽如此，他带给我的影响却并不是某种可沿袭的特质，他本人就已经成为了我心中向往的存在。
中村拓志（NAP建筑设计事务所）
中村拓志（Nakamura Hiroshi），1974年生于东京。1999年在明治大学理工学研究课完成博士前期课程，同年进入隈研吾建筑都市设计事务所。成为事务所主任技师后，2002年创办NAP建筑设计事务所。
A1
我觉得共通之处在于，都会通过设计建筑与身体之间的关系和互动，来创造出真切的感受。
A2
雷姆·库哈斯
一边积极融入商业主义与资本主义，一边摸索着新的建筑方法论。
伊藤博之（O.F.D.A associates）
伊藤博之（Ito Hiroyuki），1970年生于埼玉县。在东京大学完成硕士课程，是O.F.D.A associates联合主持建筑师。东京电机大学非常驻讲师。
作品有“富谷町之家”（2008）、“MATSUBARA”（2008）、“SPIRA”（2006）等。
A1
有同感的，大概就是让我感觉到对外观、肌理、细节的各个方面给予同等重视的作品，或是有意识在内部或外侧表现出这些方面的方法。
人们常会觉得设计时对于这三方面，应当根据具体尺度被区别对待，但实际上由于存在一定的设计顺序和设计阶段，在置身于整个环境中时，并不会觉得存在多么明显的等级分化。这种基于建筑剖面的视角，与教学中常被消极认为无法反映出尺度的CAD、CG的使用，不无关联。
A2
SANAA的作品
通观SANAA的作品，会发现他们始终保持着对空间关系的探索。在建筑中，这种“关系”的意义变得更广阔，也更加精准。正是他们创造庞大空间变体的方法，让我学到了细节差异的重要性，而延伸这种差异，还有可能实现某种未知。
青木淳的文本
主要是青木淳讨论形式的一系列文本。他从身边确确实实的事物出发，最终可以得到令人信服的结论，读来常常产生共鸣。之所以影响很大，不仅完全因为内容，与当时还显得十分新鲜的近似口语的写作文体也很有关系。
伊东丰雄“松本市民艺术馆”
为了让建筑给到访者带来活力，伊东在这个作品中加入了大量装饰性细节，这种设计态度在某种意义上给我的冲击更甚于他的仙台媒体中心。这个作品拓展了被近代建筑遗忘的建筑的可能性，是一座激发我的创作欲的建筑。
菊地宏
菊地宏（Kikuchi Hiroshi），1972年生于东京。1996年毕业于东京理科大学工学部第一部建筑学，1998年在同大学工学研究科完成建筑学专业硕士课程。1998-1999年在妹岛和世建筑设计事务所工作，2000-2004年在赫尔佐格和德梅隆建筑事务所工作，2004年创办菊地宏建筑设计事务所。
作品有“南洋堂书店改建项目”、“LUZ STORE”等。
A1
看到中村拓志设计的集合住宅中建筑会主动介入树林环境，或是他设计的膨胀起来的住宅外墙，都会觉得虽然这种与外部建立关系的方式、建筑环境、外墙形态等都是他特有的表现方法，但影响我们同辈人的大环境是相通的。
A2
赫尔佐格和德梅隆
早期住宅扩建方案中被树木吞噬的建筑。二人是颠覆“瑞士盒子”这一刻板标签的先驱者。
Peter Märkli
他的作品“雕塑之家”（La Congiunta）。光和空间的关系对我影响很大。尺度相同的两个房间，天顶高度却并不一致，让我看到了应对多个空间时的设计可能。
GIGON & GUYER
作品“Kirchner Museum”。光和空间结构的存在形式。
彼得·卒姆托
因教堂建筑形态而产生不同程度风化的外墙。他设计的“布雷根茨美术馆/Kunsthaus Bregenz”中光的空间感。
Morger & Degelo
他们设计的一处巴塞尔集合住宅*1的外回廊恰好是相邻学校的外墙。
西泽立卫
“森山邸”中，图式建筑的积极意义都被破坏，空间却反而显得更加丰富。
妹岛和世
图式渐渐变成不定式，显得愈发自由。
犬吠工作室/Atelier Bow-Wow
他们观察都市的敏锐性，以及建筑表现出来的多重性格。
Reima and Raili Pietilä
作品“赫尔辛基理工大学学生宿舍”*2中食堂里的柔和天顶。
汉斯·夏隆
作品“柏林爱乐厅”等反映出来的颠覆性的塑形力。
